Rebecca Drolen Website +

사진 프로젝트 Factory는 육체적인 것을 통해 여성의 몸이 방어와 권한의 수단으로써 쓰이는 공간을 제시합니다. 여기서는 헤어, 네일, 그리고 치아와 같은 것들이 정돈되거나 제거되지 않고 신체에 그대로 더해집니다. 이 사진들을 통해 몸이 초현실적인 공간이 될 수 있다는 것을 보여줍니다. 끝없는 모순과 이중적 가치를 지니는 그러한 공간이기도 하고 기이하고 제한적인 공간이기도 합니다. 우리에게 익숙한 장소, 무대 세트들은 질감들과 재활용된 재료들로 육신과 몸의 연약성을 재배열하기 위해 지어졌습니다. 신체가 다시 만들어지고 다시 인식되듯 이 공간은 인공적으로 만들어지고 바뀐 것같이 보입니다. 이미지들은 이 여성들의 행동에 대한 모순과 절망을 유머러스하게 보여줍니다. 몸의 털이 다 깍여버린 헐벗은 동물이 야생에서 상처받기 쉬운 것 처럼, 나는 여성이 남성의 힘으로부터 여전히 취약한 이런 사회 안에서 어떻게 여성의 몸이 방어의 수단으로써 승화될 수 있는지 보여주려합니다.

Artist Statement; Factory

Factory presents a space where the female body is increased as a means of defense and empowerment through physicality. Hair, hair, and teeth are added to the body, rather than managed or removed.  The photographs attempt to locate the body as a surreal space one that has infinite illogics and double standards a peculiar and limiting, yet familiar ground for common experience.  The sets are built to juxtapose the flesh and vulnerability of the figures with textured, repurposed materials. The spaces appear to be in the state of being built up and changed, just as the body itself is being re-formed and re-identified. The images humorously address the absurdity and desperation of the actions of these female figures. Much like a shaved animal would be vulnerable in the wild, I attempt to consider how the body itself can be increased as a means of protection within a society where women remain vulnerable to male power.

Ashley Kauschinger Website +

A History of Women에서는 여성의 역사를 들여다보고 상응하는 현대 여성의 삶을 조명하려 합니다. 이 작업은 네 개의 장으로 나눠집니다. 사건들의 역사, 여성의 몸, 여성에 대한 폭력, 그리고 가부장제의 진화. 각 장은 색깔, 빛, 상징물, 정물, 차용 이미지, 공연적인 그림자, 프로젝션들을 통해 전달하려는 역사와 의미들을 시각적으로 보여줍니다.

Statement

A History of Women investigates women’s history and illuminates parallels to contemporary women’s lives. The series is divided into chapters of exploration: the history of events, female figures, violence against women, and the evolution of patriarchal systems. Each chapter uses a combination of color, light, symbolic constructions, still lives, appropriated imagery, performative shadows, and projections to communicate their underlying history and intention

Rana young Website +

The Rug’s Topography은 6년 동안 만났던 연인을 촬영하면서 시작되었습니다. 그 기간 중 우리는 연인으로서 각자가 맡고 있는 역할이 아닌 본인 개개인의 정체성을 확인하려 하였고 결국 내적인 갈등에 직면하게 되었습니다. 우리의 로맨틱한 관계가 점점 멀어지면서 우리 사이의 거리만큼이나 불안감은 점점 더 커졌습니다. 우리의 정체성은 자라나면서 일반적인 시스젠더(생물학적 성과 성 정체성이 일치하는 사람) 역할을 목격해온 것들로부터 기반했습니다. 제 경우 특히 그러한 내제된 관념들과 통념들은 “올바른” 가족상에 부합하게 만들려 했습니다. 서로간에 공유되고 내재된 이런 근본들에 대한 성찰은 우리에게 대화의 장을 열어 주었고, 우리는 사회적 일반성에 대한 선입견화된 관념들과 통념들을 하나 둘씩 드러내기 시작했습니다. 서로의 내면을 시각적으로 함께 표현하는 것은 이별의 중심에 선 감정들을 받아들일 수 있는 촉매제가 됐습니다. 시선과 몸짓의 병치를 통해 우리의 혼합된 자화상을 만들었고, 현재, 미래와 연관된 우리의 감정들을 표현했습니다.

내 사진들은 자아 해석을 보여주기 위해서 긴장, 관음, 전환의 주제들을 채용했습니다. 나는 상징, 색상, 매혹적인 빛들을 이용해서 자연스러운 친밀감과 영화같은 장면들을 만들었습니다. 이러한 접근은 나에게 관객을 관음적 관찰자로 만듭니다. 일인칭 시점과 상호시점 교환의 부재는 이 이야기를 관객이 차분히 관찰할 수 있도록 해줍니다. 내 개인적인 해석이 직접적으로 드러나지 않게하여 관객이 본인의 경험들, 견해들을 가져와 이 사진들을 각자가 해석해 나가길 바랍니다. 이 작업에서 보이는 변화는 성별과 시간을 통해 보여집니다. 남성 몸에서 여성으로의 변화가 관객들에게 보여지게 됩니다. 건장한 근육과 자세는 섬세하고 시적인 몸짓으로 변해가고, 몸의 치장 또한 승화의 모습이 되어갑니다. 사소하고 일상적인 모습들은 개인의 진화점으로 반증됩니다. 중요한 점은 공적인 것과 사적인 것의 사이에 놓여져 있다는 것이고, 암시적 그리고 실체적 거울은 자기성찰을 형상화 한다는 것입니다. 인생은 실질적이고 심리적인 공간들 사이를 오가는 작은 순간들로 만들어져있고 나는 그 양분적인 공간을 사진작업을 통해 투영해 보려 합니다.

STATEMENT

The Rug’s Topography began with me photographing my intimate partner of six years. Simultaneously, we were facing an internal conflict: how we identified as individuals differed from the roles we occupied in our partnership. As we began to grow apart romantically, our anxieties rose in response to the distance widening between us. Our individual identities within a romantic context stemmed from the commonality of both having witnessed predominantly cisgender roles during our formative years. Our performance of those expectations was perpetuated by inexperience and an impulse to adhere to, or in my case “correct,” our potential family structure. Recognizing a shared inherent foundation opened our dialogue and together we began unpacking our preconceived notions regarding societal norms. Collaborating visually to express our reflections served as a catalyst for the reconciling of our emotional intimacy in the midst of separation. It is through the juxtaposition of gaze and gesture we create blended self-portraits, expressing our emotions in relation to who we were and who we’ll become.

My photographs employ themes of tension, voyeurism, and transition to represent interpretation of self. I construct images that balance organic intimacy and cinematic theatricality by implementing symbolism, color theory, and seductive lighting. Using a directorial approach and a single subject allows me to create an environment that transforms viewer into voyeur. The singular vantage point and lack of reciprocal gaze invites one to silently observe an unfolding narrative. However, the personal account is never fully described and the viewer must bring their own history, biases, and prejudices to interpret the imagery. Transition within this work is highlighted through the notions of gender and time. Though the viewer is privy to feminine interventions placed upon the male figure, faint physical changes sequentially manifest in the subject. Rigid musculature and posture is overcome by delicate and poetic gestures; the manicuring of body also becomes a form of sublimation. The ambient photographs, which signify fleeting moments, mark points of personal evolution. Emphasis is placed on the threshold between public and private, as well as the implied or literal mirror embodying introspection. Life comprises moments navigating both the literal and psychological space; my intention is to render that dichotomy.

June Yong Lee Website +

피부는 개인의 삶을 기록합니다. 피부에 기록된 삶은, 머리에 기억되는 기록과 다르기도 합니다. 머릿 속 기억들은 피부에 생긴 상처처럼 연약하고 허술하기도 하지만, 피부는 우리가 누구인지, 우리의 삶을 보여주고 우리가 인지하지 못하는 것들도 간직하게 도와줍니다. 피부에 남겨진 어떤 상처들은 다른 상처들보다 더 오래 남겨지기도 하고, 또 어떤 상처들은 치유가 될지언정 평생토록 사라지지 않고 우리의 기억이 보존될 수 있도록 도와주기도 합니다. 어떤 이들은 피부에 기억을 남기듯 타투를 세기기도 하고 또 어떤 이들은 몸무게를 늘리고 줄이면서 몸의 형태를 변형시키기도 합니다. 머릿 속 기억은 변형되고 왜곡될 수 있지만 피부는 결코 잊지 않습니다. 피부는 바깥 세상과 우리를 연결하기도, 때로는 분리시키기도 하는 개인을 구성하는 가장 바깥 층입니다. 우리는 태어나면서 부터 피부를 지니고 있고, 그 피부는 우리의 가장 큰 신체 기관입니다. 피부는 우리를 규정하고 좌우 합니다. 우리는 피부로 타인을 판단하고 분류합니다.

저는 Torso Series 작업을 통해 피부가 시각적으로 무엇을 전달할 수 있는지 보여주려 합니다. 사진 속에 담긴 몸의 형태를 없앰으로써, 개개인의 피부 자체가 보여주는 특별하면서도 보편적인 특징들을 살펴볼 수 있게 합니다. 디지털 이미징 기법을 통해, 실존하는 몸으로부터 재설계된 이미지가 사실적으로 보일 수 있도록 하였습니다. 그렇게 함으로써 이 사진들은, 한 발짝 떨어진 시선에서 보이는 익숙하지 않은 새로운 몸의 모습과 그에 담긴 이야기를 전달합니다. 저는 사진 속에 담긴 사람들의 지극히 사적이면서도 미묘한 역사의 기록들을 피부를 통해 전달함으로써, 우리들 각자가 가지고 있는 특별함을 인식하고 타인과 우리 자신을 더 잘 이해할 수 있기를 바랍니다.

Artist Statement: Torso Series

Bodies record personal stories that often differ from how we remember them. Memories are, like scars on skin, fragile; skin reflects who we are and tells stories that we might not always recognize. Some scars last longer than others while some heal but never disappear, helping us preserve memory. We use tattoos to engrave memories under our skin and make them permanent. We change the form of our bodies by losing and gaining weight. Although memories deteriorate with time, our skin never forgets. Skin is the outer layer of us that separates or connects from who we are to the world outside. We are born with it, and skin is the biggest organ that we have. Skin defines and dictates who we are. We judge and categorize people by it.

Through the photographs in the Torso Series, I want to visually present what skin can reveal to us. By removing the forms and shapes of the body, viewers are asked to consider both the unique and universal characteristics of skin. Digital technology enabled me to create this constructed imagery while still maintaining the reality of the body. This provides us with objective, detached, and unfamiliar views of the body and its stories. Observing the intimate and subtle details of each individual's history can help us to identify our own personal differences and understand others - and ourselves - better.